AÑOS 70 HASTA HOY

DECADA DE LOS 70

Es la década de transición entre el mundo conservador y el liberal, época en que la sociedad se volvió más atrevida y la era digital empezó a emprender sus primeros pasos y a sentar las bases de lo que vendría años más tarde.

HISTORIA

De manera general podemos señalar que la ciencia cognitiva comienza a desviarse de las prácticas conductistas que ponen el énfasis en las conductas externas, para preocuparse de los procesos mentales y de cómo éstos, se pueden aprovechar para promover aprendizajes efectivos, son pues fundamentales estas teorías cognitivas en la década de los años 70 ya que durante estos años se acentúo el cambio de la tendencia conductista a la cognitivista.
Por su parte en 1972, el gobierno de los EE.UU. concedió, a través de la American Nacional Science Foundation (ANSF), 10 millones de dólares a dos compañías privadas, Control Data Corporation (CDC) y Mitre Corporation (MC), con el fin de lograr sistemas para enseñar con computadoras, aplicables a nivel nacional. Produjeron las primeras versiones de sus sistemas, conocidos como PLATO Y TTCCIT dicho proyecto utilizaba pantallas de plasma que son transparentes y permiten que se sobrepongan transparencias en color sobre los gráficos generados por la computadora. Distribuyó su material a las escuelas mediante líneas telefónicas ordinarias y desde allí a la terminal del estudiante.
Desde 1972 se distribuye comercialmente en CD, y también a otras partes del mundo, como por ejemplo Inglaterra, aunque tiene altos costos de aplicabilidad.Por otro lado TTCCIT (Timeshared Interactive Computer Controlled Information Televisión) utilizaba televisores normales y la transmisión se hacía por cable, lo que implica un alto costo. La programación de este sistema adoptó un formato de tipo heurístico, orientado al estudiante, en el cual el alumno puede hacer o encontrar su propio camino dentro del tema. Contaban con un equipo de escritores, psicólogos educativos, técnicos en evaluación y especialistas en paquetes.
CD
En este mismo año la Unesco y el Comité de Enseñanza de la Ciencia del ICSU (International Council of Scientific Unions), en París, destacaron dos trabajos. Uno fue el uso de las primeras videocaseteras para fines educativos; el otro fue la demostración del sistema PLATO conectado desde las terminales de París hasta la computadora en Illinois. Aparece la primera calculadora científica.
VIDEEO
En 1973, Gran Bretaña se inicia el proyecto NDPCAL (National Development Program for Computer Aided Learning). Se pretendía el uso de los ordenadores para crear un ambiente que desarrollase la exploración, la experimentación y el aprendizaje, a través del desarrollo de sistemas interactivos de instrucción basados en el uso del ordenador, con programas para simular la conducta de sistemas y organizaciones complejas.
Asimismo en 1977, aparecieron en el mercado los microordenadores o computadoras personales, sistemas basados en el microprocesador que, por su tamaño, potencia, facilidad de uso y reducido costo van a producir una auténtica revolución, no sólo en esferas como el hogar, las profesiones o las oficinas, sino también en el ámbito educativo. Es realmente a partir de la comercialización de los microordenadores cuando en la mayoría de los países se generalizó la elaboración de planes para incorporar las computadoras a los centros docentes de enseñanza media.
 MICRROO
En 1979, se hicieron las dos primeras implementaciones del lenguaje LOGO sobre microordenadores (Texas Instruments y Apple).
La década del setenta también se caracterizó por muchos logros a nivel científico, como la creación del primer gen artificial capaz de funcionar en una célula viva. Este gen fue completamente manufacturado, es decir, no se utilizó ningún gen natural como plantilla para crearlo. Por otro lado, la aviación comercial dio un gran paso al colocar en los cielos en 1977 al Concorde, el primer transporte supersónico del mundo.
Un factor que contribuyó a que los adelantos científicos se hicieran más notorios fue definitivamente el progreso de los procesadores o chips.


Diseno pop y posmoderno

El arte y el diseño POP generaron una gran influencia sobre diseñadores y arquitectos americanos e italianos de los años 70’s.
A partir de mediados del ’70, arquitectos americanos como Michel Graves empezaron a introducir motivos decorativos en sus diseños, que a menudo hacían referencia a antiguos estilos y que solían ser irónicos en su contenido.
De igual manera grupos experimentames de diseñadores italianos militantes del diseño radical, la vanguardia y de otros equipos de diseño como Studio Alchimia, produjeron monumentales y vistosos diseños “neopop” que causaron gran sensación a nivel mundial desde 1981.Este grupo se le conoce como Menphis.
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Decada de los 80

– Años 80 (Un camino de ida y vuelta)
• La resurrección de la artesanía: El neoartesanado postindustrial en Gran Bretaña y Estados Unidos (pseudoartesanado con apariencia artesanal). New Ware California.
Grupo de Diseño Ergonómico sueco (1979).
• Posmodern Design: El eclecticismo posmoderno.
• Diseño Italiano (1960-1980) (Campi Valls, 1992).
• Conformistas o ulmianos: Enzo Mari, Richard Shapper.
• Contestatarios: agitación política, obra escasa. Joe Colombo, Superstudio, Archizoom.
• Reformistas: provocativos, excéntricos, estimulan el debate sobre el diseño. Sottsass, Mendini.
• Diseño Radical (Memphis, Alchimia, Archizoom, Gruppo Strum, Superstudio, NNN, Gruppo 9999, Global Tools, UFO, Zziggurrat).
• La ruptura de la normalidad: El nuevo panorama doméstico italiano de Memphis y Alchimia. El terrorismo radical de ambos (el objeto banal). La fractura de Memphis y Ettore Sottsass.
• Difusión internacional del Diseño Radical.
• FAO (Fratelli Alessi Omegna), 1921.
• La biónica y Carmelo di Bartolo.
• Neoliberty, la moda pasajera y efímera de los 80.
• El Instituto Tecnológico de Ivrea.
• La Feria del Mueble de Milán y el Salone Satellite.
• El diseño italiano es el más escandaloso del mundo; su atmósfera profesional es embriagadora, turbulenta, animada y poco burocrática; pero el proceso de diseño es comparable al alemán, británico, escandinavo, japonés o norteamericano, y además, como dice Umberto Eco, posee una filosofía del diseño, e incluso una ideología.
• El caso suizo de Swatch (1966-1983).
El laberinto de los “ismos” (a partir de los años 80)
La forma alternativa de crear un objeto.
• Bolidismo: a fines de los años 80 grupos de diseñadores italianos se interesaron por la velocidad o streamline
(Futurismo).
• Materialismo brutalista: el Neobrutalismo de Ron Arad, neoartesanado o artesanado posindustrial.
• Neoexpresionismo de Boris Sipek (vidrio).
• Deconstructivismo (J. Derrida) de Zaha Hadid.
• Los museos: El MOMA de Nueva York, 1929. Design Museum de Londres y Terence Conran, 1989. Vitra
Design Museum en Weil am Rhein, 1989.
• Neomodernidad o la recuperación de los años 50: el nuevo funcionalismo y la recuperación del Estilo Internacional (Aldo Rossi, Richard Meier). La continuación de la Modernidad Clásica.
• High-Tech: el revival de una metáfora tecnológica. Norman Foster, Jean Nouvel, Renzo Piano.
• Soft-Tech, tendencia exclusivista de Daniel Weil.
• La época del Neobarroco de Omar Calabrese. El barroco moderno espectacular a partir de los 80.
• Purismo minimalista: el minimalismo poético de Shiro Kuramata. Los nuevos japoneses desde los años 70.
Después del boom del diseño durante la década de los 80, y de los objetos disparatados que se han producido
y fabricado bajo este nombre, la gente ha venido asociando el diseño con lo inútil, lo arbitrario y la moda pasajera. El verdadero diseño no tiene nada que ver con estos conceptos (Durán-Lóriga, 1990). El término diseño ha sufrido una divulgación tan exagerada en los massmedia que actualmente nos parece trivializado y prostituido,
hasta tal punto que preferimos hablar, como los italianos, de cultura del proyecto.


Decada de los 90

• La normalidad de la diferencia y el valor sentimental del objeto.
• Las nuevas tecnologías: divagaciones especulativas, realidad virtual, objetos del siglo XXI, propuestas utópicas.
• El diseño ecológico y los nuevos materiales. El reto ambiental. La vuelta de los plásticos.
• La revolución del objeto amigo: vida, proselitismo y milagros de Philippe Starck, “los objetos tienen alma”. Desmaterialización y servicio: “el ser humano necesita servicio, no objetos”, “miremos hacia el Sur”.
• Las Periferias: el importante papel del diseño latinoamericano: Argentina, Venezuela, México, Brasil, Colombia y Chile. Extremo Oriente: Corea. Australia y Nueva Zelanda. Sudáfrica.
• Los “coloristas” de la Escuela de Florencia: Stefano Giovannoni (“cada cual quiere ser cada quién”), GuidoVenturini, Laura Polinoro.
La sociedad capitalista industrializada concibe los objetos, a través de la publicidad, como objetos para el de
seo; sin embargo, el deseo aliena de forma gigantesca, se trata de un deseo abstracto, anónimo y estadístico.
Se crea la necesidad de consumir, de consumir sin necesidad; los mass-media movilizan nuestros deseos y la
posmodernidad o postindustrialización trajo la antropomorfización de los objetos. Como dice Pierluigi Cattermole,
director de Experimenta, el mundo es tomado por los seres humanos como un objeto, lo tratamos como un objeto, de ahí uno de los grandes problemas de nuestro tiempo, el medio ambiente. Estamos en la cultura de la
indiferencia, y el diseño tiene que devolver la verdadera calidad a los objetos del siglo XXI.


El siglo XXI


Pasado, presente y futuro. Las teorías del “caos” y el “todo vale”

• Un panorama de rica confusión (Capella y Larrea, 1995). El reino del eclecticismo y el revival: los “neosneos”. Las posturas personales y los gestos individuales.
Carencia de escuelas, estilos y tendencias. La interdisciplinariedad y el mestizaje.
• Racionalismo, Modernidad, Movimiento Moderno, Modernidad Clásica, Estilo Internacional, Gute Form.
“Less is more”. Continuación del Movimiento Moderno.
• Styling, “lo feo no vende”. Aerodinamismo (streamline).
• Bel Design, reivindicación de la belleza. Castiglioni, Zanuso, Magistretti, Colombo.
• Organicismo, inspiración en la naturaleza, elegancia y artesanía. Aalto, Jacobsen, Panton, Eames, Bertoia.
• Radical Design, revolución y liberación de Mendini.
• Diseño Posmoderno, ataque al diseño ortodoxo. Memphis y “la función es existir”. “Less is a bore” (menos es aburrido). Sottsass, Venturi, Rossi, Graves.
• Neoprimitivismo, retorno intimista al origen. Branzi.
• Neoartesanado posindustrial, cada objeto es diferente a otro. Mendini, Guerriero.
• Diseño de autor o neo kraft, nueva artesanía de firma. Sipek, Pesce.
• Minimalismo, mínima materia, mínima expresión. Kuramata, Enzo Mari.
• Bolidismo, objetos veloces como el tiempo. Iosa-Ghini, King-Kong.
• High-Tech, alta tecnología para nuevos productos. Sapper, Foster.
• Soft-tech, tecnología no es equivalente a seriedad o dureza. Weil.
• Product, desarrollo e investigación de artefactos, máquinas y electrodomésticos. Giugiaro, Bang & Olufsen.
• Brutalismo o Ruinismo, estética futurista y decadente (Blade Runner), ambiguos territorios. Ron Arad.
• Simbolismo, objetos honestos y con alma, más o menos populares y asequibles. Philippe Starck.
• Ecodiseño (Ecodesign), conciencia ecológica, variopinta gama de estrategias: rediseño, reciclaje, productos
alternativos, nuevos materiales…
• Diseño Étnico (Vernacular, “ad hoc”, Regionalista), preocupación por el diseño tercermundista.
• Objeto anónimo y Gadget, objetos regalo, de usar y tirar.

En los comienzos del siglo XXI estamos viviendo el paso de la cantidad a la calidad; la racionalidad de la mente se opone a la emoción, a la sensibilidad. Como dice Philippe Starck, hay que diseñar objetos para ser
acariciados con la mano y con la mente, objetos que no sean superfluos; se trata de la poética de las relaciones,
de la sensibilidad, que, según parece, algunos diseñadores de comienzos de este siglo y milenio, están recuperando…

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DISEÑADORES años 70 hasta HOY.

Ron Arad

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Ron Arad (Tel Aviv, 1951) es un diseñador industrial. Fue a la academia de arte de Jerusalén entre 1971-73 y a la asociación arquitectónica en Londres, de 1974 a 1979. Arad funda en 1981 el estudio de diseño One Off con el que irrumpió en el mundo creativo, industrial y mobiliario, y se alejó temporalmente de la arquitectura.

En 1989 crea la Ron Arad Associates y, cinco años después, en 1994, el Ron Arad Studio, que concibió como una empresa dedicada al diseño y producción integral de proyectos en las áreas de la decoración de interiores iluminación y mobiliario, y que representó una conveniente reconciliación del diseñador con la arquitectura.

 Ha producido los muebles y el diseño de iluminación para muchas compañías (principalmente italianas) incluyendo Alessi, Vitra, Flos, Artemide y Kartell.

Sus trabajos de diseño industrial más notables incluyen la silla apilable de Tom VAC para Vitra, y la biblioteca gusano para Kartell. Muchos de estos trabajos están en las colecciones del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, del centro Georges Pompidou en París, del Victoria and Albert Museum de Londres y del Vitra Design Museum, Alemania.

Sus trabajos arquitectónicos, menos conocidos, incluyen las jefaturas para la tecnología Pasillo de Maserati y de Selfridges en Londres.

Es actualmente jefe del departamento de productos de diseño en la Universidad Real del Arte. Es también el hermano menor del violinista israelí Atar Arad.

Entre sus obras destacan:

  • 1981 The Rover Chair
  • 1983 Tree Light
  • 1986 Well Tempered Chair, prototipo para Vitra y la alemana GmbH
  • 1988 La silla Big Easy
  • 1989 La silla Little Heavy
  • 1993 Estantería Bookworm
  • 1994 Box in 4 Movements
  • 1996 Lovely Rita
  • 1997 La  FPE – Fantastic, Plastic, Elastic para Kartell
  • 1998 La silla Big E, y producida por Moroso en 2003
  • 1999 La silla Tom Vac
  • 2002 Sillas Bad Tempered para Vitra
  • 2002 Little Albert para Moroso
  • 2007 Wavy
  • 2007 Southern Hemisphere
  • 2008 Sofá Do-Lo-Rez
  • 2009 Rotator
  • 2008 Museo Bauhaus de Tel Aviv
  • 2010 diseño para el Museo del Diseño Holon, el primer museo de diseño en Israel
  • Entre sus exposiciones destacan:
  • 1996 / 1997 / 1998 Ron Arad y Ingo Maurer, Krizia spazio, Milán
  • 2000 “no se hacen a mano, no hecho en China” galería Gio Marconi de Milán
  • 2000 “antes y después de ahora”, Victoria and Albert Museum, Londres

Tomado con minimas modificaciones de: https://masinfodiseno.wordpress.com/disenadores/ron-arad/


Philippe Starck

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Nació en París el 18 de enero de 1949 y, desde su adolescencia, sintió verdadera pasión por el diseño, quizás por influencia de su padre, que era constructor de aviones. Por esta razón, a mediados de los 60, se matriculó en la escuela Nissim de Camondo de la capital gala y, con 30 años, funda su primera empresa seria de diseño: la Starck Produt.

Sus primeros trabajos importantes datan de los años 70, cuando decoró algunas de las discotecas y clubes nocturnos más famosos de la noche parisina, como Les Bains Douches (1978) o La Main Bleue (1979). Sin embargo, su reconocimiento definitivo le llegó en 1984 cuando el presidente de la República francesa, François Miterrand, le encarga renovar la decoración de sus dependencias privadas del Palacio del Elíseo.

Inquieto por naturaleza y ávido por conocer cosas diferentes Philippe ha trabajado y viajado por medio mundo, hecho que le ha influido a la hora de plantear sus diseños, porque en todos ellos queda patente su especial gusto por la diversidad cultural. Ha trabajado en Tokio como decorador de restaurantes, oficinas y residencias particulares; en Madrid, fue el responsable de la decoración del restaurante-cafetería-discoteca Teatriz (1990), un soplo de aire fresco dentro del aburrido panorama de los locales madrileños más modernos; también participó activamente en la construcción del Groningen Musseum en los Países Bajos.

Sin embargo, han sido sus trabajos para la cadena de hoteles de Ina Schrager los que le han catapultado a la fama: el hotel Delano de Miami, el Paramount, Royalton y Hudson de Nueva York; los hoteles St. Martin´s Lane y Sanderson, de Londres; el hotel Clift de San Francisco o el hotel Mondrian de Los Ángeles (Hollywood), son la mejor carta de presentación de este genial diseñador francés. Junto al revolucionario Ian Schrager ha creado el llamadolobby socializing, una asombrosa e innovadora forma de plantear el diseño del vestíbulo de un hotel, que es entendido como un lugar importante de reunión para visitantes y huéspedes. Mobiliario de original diseño, aprovechamiento de la iluminación, colores sorprendentes y estudiada distribución espacial se aúnan para crear una sensación de auténtico escenario.

Pero los trabajos de diseño de Philippe Starck no sólo se agotan en el diseño y decoración de interiores. Este genial creador francés ha trabajado también como diseñador industrial, ideando la más variada gama de objetos en serie: desde barcos para la firma Beneteau, pasando por botellas de agua mineral para la marca Glacier, artículos de viaje para Vuitton, accesorios de menaje para Alessi, mobiliario de oficina para Vitra o mobiliario urbano para la empresa Decaux; también ha diseñado vehículos, ordenadores o gafas. En definitiva, un currículo impresionante, que ha sido reconocido internacionalmente con innumerables premios. Es más, sus obras se pueden admirar en el Brooklyn Museum de Nueva York, en el Museo de Artes Decorativas de París y en el Museo de Diseño de Londres. Exposiciones individuales y colectivas en París, Marsella, Roma Munich, Kyoto, Tokio, Los Ángeles y Nueva York le consagran como uno de los mejores diseñadores del momento.

Tomado sin modificaciones: http://www.hola.com/biografias/philippe-stark/biografia/

Pagina Oficial: http://www.starck.com/


 

Karim Rashid

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Es un diseñador industrial y de interiores.  Sus diseños incluyen artículos de lujo, mobiliario, iluminación, diseño de exteriores, identidad de marca y empaques.  La revista Time lo ha descrito como el “diseñador industrial más famoso de toda América”. Nació en El Cairo, Egipto de un padre egipcio y una madre inglesa, se crió en Canadá y ahora es un ciudadano estadounidense.

Rashid es uno de los diseñadores más creativos y prolíficos de su generación. Su impresionante cartera incluye más de 3.000 diseños en producción que van desde muebles y accesorios de diseño hasta artículos de lujo.

Para Karim la funcionalidad es esencial, pero al mismo tiempo quiere mover a la gente. “Tu te concentras en el objeto, pero aún debe haber un sentido de la humanidad también. Algo suave que te toca y te hace sentir como en casa”, dice Karim. Al igual que las bellas formas de la colección de Ottawa, que Karim ha creado para BoConcept. El exclusivo diseño combina funcionalidad y minimalismo sensual y ha ganado el Premio Red Dot, así como el premio  Good Design TM por la mesa y la silla.


Zahar Hadid

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Nacida en Bagdad, Irak el 31 de octubre de 1950, Zaha Hadid realizó un master en matemática en Beirut y se formó profesionalmente en la Asociación de Arquitectura de Londres entre 1972 y 1977, año en que recibe su diploma. Luego se convierte en parte de la Office for Metropolitan Architecture (OMA), se desempeña como docente en la AA junto con Rem Koolhaas y Elia Zenghelis de la OMA, y posteriormente dirige su propio estudio en la AA hasta el año 1987.

Más recientemente, se desempeñó en la cátedra de Kenzo Tange en la Graduate School of Design (Universidad de Harvard), la cátedra Sullivan en la School of Architecture de Chicago (Universidad de Illinois) y como invitada en la Hochschule für Bildende Künste (Hamburgo), la Knolton School of Architecture (Ohio) y Masters Studio (Universidad de Columbia, Nueva York). Además, fue nombrada miembro honorario de la American Academy of Arts and Letters, integrante de la American Institute of Architecture y mandataria del British Empire en el 2002. Actualmente se desempeña como profesora en la University of Applied Arts (Viena, Austria) y profesora invitada de Eero Saarinen en la Architectural Design (Universidad de Yale) para el próximo semestre del corriente año. Ha sido galardonada con el Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea Mies van der Rohe 2003 por su obra Terminal Hoeinheim, estación de tranvía y estacionamiento de autos en Strasbourg, Francia.

Hadid se da a conocer como una arquitecta que impulsa consistentemente las fronteras de la arquitectura y el diseño urbano. Su trabajo experimenta nuevas concepciones del espacio, intensificando el paisaje urbano en la búsqueda de una estética visionaria que circunscriba todos los campos del diseño, desde la escala urbana hasta interiores y mobiliario. Sus preocupaciones centrales involucran un compromiso simultáneo con la práctica, la docencia y la investigación.

Tomado de: http://www.arquimaster.com.ar/arquitectos/arqdestacado03.htm#sthash.6fHYQV0l.dpuf

 

 

Movimientos en el diseño de los años 50-60

POP ARTE

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Introducción al movimiento artístico del Arte Pop

El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte.

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El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica “Arte Popular”, toma del pueblo los intereses y la temática.

El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los “hot-dogs”, botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se amplían los motivos y pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica. La expresividad queda desplazada a un segundo plano, siendo un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.

El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus formas fáciles y divertidas y a sus contenidos, que podían ser captados sin dificultad. Al espectador le gustaba reconocer objetos corrientes en los cuadros porque así se ahorraban el esfuerzo que representaba la interpretación de las obras del expresionismo abstracto, pero no comprendieron su carga de ironía y de ambigüedad.

Lichtenstein decía:

Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo.

El Ate Pop (Pop Art) eleva los objetos de la vida diaria moderna a obras de arte y, con la frialdad del distanciamiento, pone su mirada en la atracción estética de los vulgares artículos de consumo.

Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo, en la poca importancia puesta en el objeto de arte final y en el uso del collage y del fotomontaje.

Representantes del Arte Pop

Richard Hamilton

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Es uno de los pioneros del Pop Art británico y su collage titulado ¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?, ha sido considerado la primera obra del Arte Pop.

Es un collage fotográfico que ataca directamente a la sociedad de consumo, al culto al cuerpo, al erotismo, a la publicidad y a la tecnología doméstica que intentan disimular una sociedad vacía de contenido y que tan sólo elogia lo superficial y la apariencia. Introduce ya elementos típicos como el televisor, el magnetófono o el póster de una viñeta de cómic.

Roy Lichtenstein

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Lo más característico de Lichtenstein son sus composiciones salidas directamente de las viñetas de los comics, que son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.

Por ejemplo, Good Morning, Darling; Now, mes petit pour la France o Whamm!, donde la técnica del cómic aparece mucho más remarcada con la inclusión de la característica onomatopeya.

Tom Wesselmann

Tom Wesselmann se interesa por el tema de la sensualidad y la mujer como reclamo publicitario y como objeto de consumo.

Elige las partes más sensuales del cuerpo femenino, las piernas, los labios, etc. y las mezcla con objetos cotidianos. Trabajó sobre todo los montajes y las instalaciones, donde incorpora objetos reales y recrea espacios habituales de la burguesía americana.

En las obras de la serie Gran desnudo americano, incorpora teléfonos reales que suenan, aparatos de radio y televisores en marcha, pegándolos directamente sobre la superficie pintada, siguiendo el método tradicional del collage.

En Bañera Collage núm. 1 ilustra una atmósfera de frío erotismo reivindicando su valor como objeto de consumo más que como icono de deseo. Resalta la toalla de en medio, el rollo de papel higiénico y la tapa del retrete levantada.

Andy Warhol

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Andy Warhol utilizó fotografías de prensa contemporáneas y las repitió múltiples veces en la misma superficie arrancándolas de su contexto habitual y trasladándolas al dominio del arte. Describió así la deshumanización que practican los modernos medios de comunicación de masas.

Lata de sopa Campbell convierte un objeto de uso cotidiano, una sopa de tomate, en icono de la cultura pop.

CAM

Realizó numerosos retratos como los de Mick Jagger,Jacqueline Kennedy Onassis, Elizabeth Taylor o Marilyn Monroe, de la que hizo una serigrafía basada en un original fotográfico de su ros

Happening

Es toda experiencia que parte de la ecuación provocacion-participacion-improvisacion. Tiene su origen en la decada de los 50 y se considera una manifestaciónartistica multidisciplinaria. Aunque se han relacionado con el pop art y el movimiento hippie, loshappenings se integran dentro del conjunto del llamado performance art

En un principio, el happening artístico fue una tentativa de producir una obra de arte que naciese del acto a organizar y con la participación de los “espectadores” (que abandonasen así su posición de sujetos pasivos y se liberasen a través de la expresión emotiva y la representación colectiva). Aunque es común confundir el happening con la llamada accion artistica el primero difiere de la segunda en la improvisación.

El happening, como manifestación artística multiple que pretende la participación espontánea del público, suele ser efímero. Por este motivo los happenings suelen presentarse en lugares públicos, irrumpiendo en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son las instalaciones del fotógrafo Spencer Tunik, con sus multitudes desnudas.

MOVIMIENTOS DE LOS AÑOS 60

MINIMALISMO

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El término minimalista, en su ámbito más general, es referido a cualquier cosa que se haya desnudado a lo esencial, despojada de elementos sobrantes. Es la tendencia a reducir a lo esencial. El minimalismo puede considerarse como la corriente artística contemporánea que utiliza la geometría elemental de las formas. Las formas son las que establecen una estrecha relación con el espacio que las rodea. Para ello el artista se fija sólo en el objeto y aleja toda connotación posible.

Las obras del Minimalismo buscan la sencillez y la reducción para eliminar toda alusión simbólica y centrar la mirada en cuestiones puramente formales: el color, la escala, el volumen o el espacio circundante.

Se habla de minimalismo refiriéndose a toda austeridad estilística, al énfasis en la geometría y la anulación de la técnica expresiva en las obras de tres dimensiones, principalmente. B. Rose señaló su carácter de objetos literales, objetos que se definían únicamente por una afirmación literal y enfática de su existencia en tanto que no querían sugerir nada más allá de sí mismos.

Los minimalistas pretenden que sus obras sean como los números, moral y metafísicamente neutrales. Que no demuestren evidencia de trabajo, pues no se valora la habilidad manual. Para ellos el trabajo es alienante, rechazan el concepto heroico de la actividad creadora y, sostienen que la labor física es lo menos importante del arte, preferían absorber ideas más que técnicas. El minimalismo no es metáfora ni símbolo de nada.

HIPERREALISMO

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Conocido también como Superrealismo, Realismo Fotográfico y Fotorrealismo, es un movimiento pictórico surgido en la década de los ’60, cuyas técnicas aspiran a una precisión casi fotográfica.

El Hiperrealismo busca mantener en la pintura la conexión con la visión fotográfica del encuadre y la traducción fiel de la escena.

Por tanto, los temas son representados con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles, por medio de una agudeza óptica llevada a cabo con tal virtuosismo técnico, que supera la “visión” del objetivo fotográfico.

Algunos representantes de este estilo trabajan a partir de fotografías, tratando con igual agudeza y precisión todo el cuadro.

En algunos caso se utilizan grandes tamaños de cuadros y pintura plana, que aspiran a producir la impresión de inmensas ampliaciones fotográficas.

Se va de lo real a la fotografía y de la foto al cuadro, reafirmando dos veces lo real o, tal vez, distanciándose doblemente del objeto; no hay una mirada subjetiva sobre la realidad, puesto que las imágenes son frías.

El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina.

http://www.portaldearte.cl/terminos/hiperrealismo.htm

ARTE CONCEPTUAL

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El arte conceptual es aquel en el que prevalece la idea sobre la realización artística, es decir,  la característica principal de esta corriente es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Así pues, el arte conceptual se puede definir como una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista. Para ello, esta disciplina artística se fija en los ambientes cromáticos, en los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza.


Raymond Loewy:

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Nació en París el 5 de noviembre de 1893 y murió en Mónaco el 14 de julio de 1986. Fue uno de los diseñadores industriales más reconocidos del siglo XX, sobre todo en Estados Unidos y el Reino Unido donde desempeñó su carrera profesional y donde abrió una sucursal (Londres, mediados de 1930). Loewy creció en París en donde hizo su primer logro exitoso, un avión de juguete con el que ganó la copa James Gordon Bonnet en 1908. Durante la Primera Guerra Mundial, sirvió en el ejercito francés y al finalizar emigró a Estados Unidos en 1919, donde adquirió una nacionalidad en 1938. Los primeros años que vivió en  Estados Unidos “New York” como diseñador de escaparates de grandes almacenes como Macy’s Wanamaker’s y Saks Fifth Avenue. Así mismo, trabajó como ilustrador de modas para la revista Vogue y Harper’s Bazaar.
En 1929, la empresa Gestetner contrata a Raymond para rediseñar un modelo de una multicopista, con la cual despues del diseño de Loewy se aumentaron sustancialmente las ventas. Luego, siguieron los trabajos del diseñador incluyendo encargos para Westinghouse, Hupp Motor Company, y el rediseño del refigerador Coldspot de Sears-Roebuck, con el cual ganó su reputación como diseñador.

En 1940, Loewy rediseña el aquete de “Lucky Strike” asegurandole al dueño de la marca de cigarrillos que el podía duplicar sus ventas con un simple rediseño del empaque y logotipo lo cuales se conservan hoy en día muy similares.

Loewy comenzó su larga y productiva relación con la compañía automovilística estadounidense Studebaker Corporation de South Bend, Indiana, en la década de 1930. Sus diseños comenzaron apareciendo en los modelos de Studebaker de finales de la década de 1930. Studebaker también adoptó su nuevo y sencillo logotipo, reemplazando el que había usado desde principios de siglo.

Entre otras craciones:

                         

   Tomado: http://www.sanahujapartners.com/blog/raymond-loewy-padre-del-dise%C3%B1o-moderno

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Ensayo: El ADN de una sociedad industrial

 

 “Más que reprimir nuestros deseos primarios, nuestra cultura material parece interesada en satisfacerlos” (Sudjic, 2008, P.) A partir de esta premisa como muchas otras del mismo tono, Sudjic que es director del Design Museum de Londres, una de las instituciones más emblemáticas en el campo del diseño, desarrolla la idea de un libro que se basa principalmente en cómo el diseño, la producción y la utilidad son parte primordial de la historia de un objeto, de igual manera  “hace un llamado de atención contra los excesos consumistas y un estudio sobre si usamos lo que compramos o si lo que compramos nos está usando a nosotros”. (Anonimo. (2009). Diseño: Deyan Sudjic y El Lenguaje de las cosas, de arquitectura de calle Sitio web: Diseño: Deyan Sudjic y El Lenguaje de las cosas)

Desde esta perspectiva,  se debe observar,  cómo los objetos llegan a ser un lenguaje que tanto explicita como implícitamente, nos lleva a darnos cuenta que aquello que poseemos de una u otra manera nos define. Son el diseño y la moda,  elementos esenciales, que promueven múltiples emociones y experiencias  en el individuo, que desde temprana edad lo llevan a un hábito de consumo constante e innecesario.

Es preciso identificar las diversas formas en que el diseño es parte  importante de las respuestas emocionales que generamos en diversos momentos, y la intencionalidad de estas emociones en el entorno actual. Es por ello que es necesario volver a citar al autor, que  afirma “somos una generación nacida para consumir” (Sudjic,2008,P.)  Complementando lo que este dice, es cierto que al nacer, como individuos  llegamos a una sociedad estandarizada,  donde como dice Lacan (-) “nos vemos permeados desde pequeños por los símbolos que están inmersos en un sistema”, en este caso el capitalista. Así pues desde niños reconocemos que son los objetos, lo que en un  momento dado nos generaron un recuerdo y una emoción. Al crecer comprendemos las ideas de los objetos y las necesidades que nos hacemos en torno a ellos,  de esta manera creamos bajo la idea de consumo, como lo dice Sudjic (2008)  “los fetiches” hacia objetos posiblemente innecesarios en nuestra cotidianidad.

Son estas experiencias y respuestas emocionales, las que al nos atrapan para generarnos “objetos de deseo” que creemos hacernos solos, viéndonos así manipulados por el diseño, que como afirma el autor en el texto, (Sudjic,2008,P.)  “el uso en exceso del termino ha transformado el significado de diseñador a “cínico y manipulador””. Contrario a lo que este dice, en este caso, ¿no todas las profesiones buscarían lo mismo? en el momento en que un medio hace más llamativo su primera página para que el comprador sea acaparado, o cuando un abogado busca a toda costa ganar un juicio, ¿no estarían manipulando?  No considero pues, que estas sean las palabras que definen el puesto de diseñador y mucho menos las de un comunicador o abogado, aunque a pesar de esto, es cierto que todos convierten al hombre en una mercancía, de una u otra manera,  pero es que esa es la  base de la doctrina que nos rige.

 Lo importante es distinguir que los diseñadores buscan transgredir el lenguaje original y llevarlo a aquello que nos seduce, muchas veces siendo estos deseos los mismos sueños del diseñador, que tiene la capacidad según Jack Derrida (-) de “destruir el lenguaje y reconstruirlo bajo sus parámetros”, como era el caso de Stark. Claramente este no siempre es así y muchas veces son los diseños sepultados no por nuevos modelos sino por una categoría totalmente nueva, aunque en la actualidad nada es así. Vivimos en una mundo donde los ciclos de vida de una producto son cada vez más cortos y entramos a lo que se conoce como obsolescencia programada, es entonces cuando las facilidades de producción y la creación de objetos masivamente no solo se vuelve una responsabilidad sino un buen negocio ¿no es así?, pensemos que la mayoría de los celulares móviles que poseemos no tienen una vida mayor a la de 3 años y, así la tuviese los mismo deseos y emociones creadas para nosotros, nos haría de una u otra manera buscar la forma de deseársenos de él, convirtiéndonos en seres superficiales que buscan seguir la corriente a todo aquello que va delante de nosotros, sean nuestros hijos con sus aparatos cada día más modernos o los propios compañeros de trabajo, o nuestro hermano o el mundo.

Es ahí donde no solo nos vemos involucrados en los sistemas de consumo sino que al mismo tiempo nos vamos adentrando a la moda, que claro está no solo es en cuanto a las prendas que utilizamos, sino desde el televisor que hay en nuestras casa, hasta las sillas de las mismas. El autor no solo reconoce la  moda como “el reino de la frivolidad sino también como  el paraíso de los absurdo” (Sudjic, 2008, P.) y de allí que “En moda, cuando un indicador se convierte en obvio su significado inevitablemente se invierte. Lo malo se hace bueno. Lo escaso, ubicuo”(Sudjic, 2008, P.).  Cuando la moda es capaz de sobrevivir las consecuencias de transformación, son cada vez mayores las formas de interpretar aquello a nuestro alrededor, hasta el arte, entonces es permeado por la moda, ya que en una sociedad como la nuestra es claro que las ansias de novedad no son fáciles de saciar, así pues es evidente  que la moda no va a perder su seducción.

 Es esto mismo, la que ha transformado las pasarelas, donde es claro que el fin de estas es “dar lustre a la marca” (Sudjic,2008,P.), es así que la industria no solo puede dejar de lado el mismo producto que han generado, sino que toma ante las cámaras la presencia de personalidades famosas con el objetivo de dar un status a la misma marca.  En aquel momento, se puede  hablar de lujo y se da  todo una correlación casi inseparable. Es el lujo el que de alguna manera nos hace fantasear sobre los objetos que deseamos poseer, con su envoltura y con su esencia, que es pues todo el objeto en sí, su color, forma, textura, aquello que nos excita del mismo.

Es así como el diseño y la moda se convierten en el ADN de una ideología industria, con todo su trabajo, color, y vinculó de lo que somos, es esta la base para comprender que son el lenguaje de una sociedad que por medio de los objetos refleja sus objetivos y valores.

Referencia:

Deyen Sudjic. (2008). the lenguaje of things . Allen Lane: Tuner Noema.

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Por: María Alejandra Calle Villarreal.

Entre Finlandia y Alemania

Alvar Aalto

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El espíritu de reconstrucción surge del profundo instinto del ser humano como una protesta realista y como símbolo de su voluntad de vivir.
Alvar Aalto

Nace en Kuortane, 1898, es un arquitecto finlandés, uno de los más importantes del siglo XX. Completó la educación recibida en Finlandia con viajes por el extranjero. Durante la década de 1920 estuvo influido por el gran maestro del funcionalismo, Le Corbusier, y él mismo fue un pionero de este movimiento en Finlandia. Pronto logró el reconocimiento internacional, y desde 1940 hasta 1949 fue profesor del Instituto de Tecnología de Massachussets, en Cambridge (EE UU). En 1955 ingresó en la Academia Finlandesa.

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Le Corbusier

PROYECTOS:

Entre los primeros trabajos de Aalto en Finlandia hay que citar el sanatorio de Paimio (1933), la biblioteca municipal de Viborg (1935) y los pabellones finlandeses para las exposiciones internacionales de París (1937) y Nueva York (1939). En estas obras, así como en la famosa Villa Mairea de Norrmark (1939), Aalto utilizó un material tradicional en Finlandia, la madera, consiguiendo notables resultados artísticos. Además de construir edificios, realizó también proyectos municipales y regionales, como el complejo residencial e industrial de Sunila (1936-1939), en las afueras de Kotka, con sus fábricas y viviendas, o el proyecto urbanístico de Rovaniemi (1945). Entre los últimos edificios que construyó en Finlandia hay que destacar el ayuntamiento de Säynätsalo (1952), el Colegio de Pedagogía de Jyväskylä (1953-68) y las iglesias de Imatra y Seinäjoky (1958).

Hay numerosos ejemplos del estilo de Aalto en Helsinki, la capital de Finlandia. Sobresalen entre ellos el Centro Cultural (1955-58), con su auditorio inspirado en el estilo setecentista, el Instituto de Tecnología de Onäs (1960-64), el Palacio del Libro (1969) y el auditorio y la sede de congresos de Finlandia (1970-71). El museo de Århus, en Dinamarca, es una de las contribuciones de Aalto a los países nórdicos vecinos. Otras obras destacables son la residencia de estudiantes del MIT (1949), en Cambridge, un rascacielos en Hansaviertel (1957), en Berlín, el Centro Cultural de Wolfsburg (1959-62), en Alemania, y el Museo de Arte de Bagdad (1958), en Irak.

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En la arquitectura de Alvar Aalto el uso de formas geométricas básicas revela el racionalismo funcionalista del que partió en sus obras tempranas y que nunca abandonó. Sin embargo, la utilización conjunta de líneas sinuosas tiende a romper la ortogonalidad de la caja arquitectónica a la vez que acentúa la corporeidad del edificio, para cuya composición no hay fórmulas fijas.

Todo ello hace que sus obras estén impregnadas de una personalidad propia que las distancia de la estandarización funcionalista. Para Aalto la arquitectura es un juego libre de volúmenes y formas en movimiento; sobre estructuras geométricas de clara disposición superpone superficies “blandas” que restan rigidez al conjunto y le dotan de un espíritu más humano y más acorde con las formas de la naturaleza.

El Sanatorio para tuberculosos de Paimio (1929-1932) se convirtió en modelo de la arquitectura hospitalaria internacional por el modo en cómo integra el paisaje y por la forma de las terrazas abiertas, que permiten la entrada del sol a las habitaciones.

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En el MIT Senior Dormitory (1947-1948) de Cambridge (Massachusetts), Aalto rompe elegantemente la monotonía de un bloque continuo de habitaciones estandarizadas con la curvatura sinuosa de la fachada que da al campus; en la parte opuesta, el prisma se quiebra mediante unos escalonados superpuestos y el añadido de una escalinata exterior. Las constantes búsquedas estilísticas, junto al acentuado dinamismo espacial con el que deforma los grandes volúmenes y el uso de materiales naturales se conjugan siempre en la arquitectura de Aalto con la eficacia funcionalista y el rigor estructural del cristal y el hormigón.

Aalto sobresalió además en el diseño de muebles. Creó una línea de mobiliario muy ligero, construido en madera laminada, distribuido internacionalmente a través de la firma de interiorismo Artek, que él mismo había fundado en 1935 junto con su esposa Aino Aalto (1894-1949), también diseñadora de muebles.

LA SILLA PIAMO y su forma de produccion:

La silla Paimo, del destacado arquitecto Alvar Aalto, era parte del mobiliario diseñado específicamente para el proyecto del Sanitario de tuberculosis de Paimio. La silla fue creada bajo los ideales higienistas que se abordaron en toda la obra.

El diseño de la silla parte de un diseño anterior de Marcel Breuer, la silla Wessily, pero sustituye el acero por la madera, ya que este material presentaba características más convenientes para un sanatorio. La madera es de menor tramitación térmica que el acero, no genera reflejos y absorbe el ruido, en lugar de contribuir a su propagación.

La silla está constituida por dos aros de madera laminada que forman un armazón y una lámina de madera curvada de abedul, que genera el asiento y el respaldo, con un solo gesto ( mide 60 x 80 x 64 centímetros). La curvatura de la forma responde a una búsqueda por facilitar la respiración del enfermo. Es una sillade descanso y sanación.

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Tomado:

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/aalto.htm

http://www.archdaily.co/co/02-72693/silla-paimio-alvar-aalto

(puede contener ediciones)


Madcel Brever

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Es un arquitecto y diseñador húngaro, de los principales maestros del movimiento moderno. Nació en Pécs, Hungría, el 21 de mayo de 1902. Estudió en la Bauhaus de Weimar, Alemania, en la época en que Walter Gropius (vease entrada Escuela de la Bauhaus)  dirigía esta escuela de diseño y arte donde catalizaron las ideas estéticas más importantes del movimiento moderno. Breuer se hizo cargo más tarde del taller de muebles de la Bauhaus, y allí diseñó la primera silla de tubo de acero de la historia, que combinaba las condiciones flexibles de este material con su facilidad para la producción industrial a gran escala. En 1928 se estableció en Berlín para dedicarse también a la arquitectura, como muestra el proyecto para la casa Harnischmacher (Wiesbaden, 1932), una vivienda modular construida en hormigón con estructura de acero. Con la llegada del partido nazi al poder Breuer tuvo que exiliarse, primero en Inglaterra (1933) y más tarde en Estados Unidos (1937). Allí, junto con Gropius, impartió clases en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Harvard, además de continuar su carrera arquitectónica con proyectos como el de su propia casa en Lincoln, Massachusetts (1939), donde utilizó materiales autóctonos.

En 1946 abrió un estudio en Nueva York, donde proyectó, junto con el italiano Pier Luigi Nervi y el francés Bernard Zehrfuss, el nuevo edificio de la UNESCO en París. Entre sus obras más destacadas se encuentran el edificio de viviendas De Bijenkorf en Rotterdam (1961); el Centro de Investigación de IBM en La Garde, Francia (1962); el Museo Whitney de Arte Americano (Nueva York, 1966); y la iglesia de St John’s Abbey en Collegeville, Minnesota (1967). Sus edificios se caracterizan por el empleo de materiales naturales, como grandes bloques de piedra sin pulimentar, madera u hormigón rugoso.

LA SILLA WASSILY y su forma de producción:

El diseño de esta silla puede parecer familiar a muchos. Hoy, luego de más de 80 años, sigue siendo vendida en todo el mundo. Su diseño elegante representa una solución ideal tanto para el mobiliario de oficinas como para el de una casa. Es la primera silla de tubos de acero cromado de fácil producción. El respaldo, y los brazos son de cuero, y se venden en gran variedad de colores.

BREUAR proyectó la No. B3 Chair, mejor conocida como silla Wassily, para la residencia de Kandinsky en Dessau, Alemania, donde estaba la Bauhaus School.

Su inspiración nace desde un modelo de acero de bicicleta, realizado anteriormente, la “Bicicleta Alder”. Para esos años, el fabricante de acero alemán Mannesmann había ideado un proceso para producir tubos de acero sin costura, el primero en permitir doblar los tubos sin romperse en las uniones. Así es como esta tecnología es llevada al mango de la bicicleta y, posteriormente, a la estructura de la silla y a otros mobiliarios.

El modelo de la sillafue ideado el año 1925, y sufrió distintos cambios en el tiempo. En 1927 se construyó el bastidor de la versión actual que se compone de un tubo continuo, sin ninguna junta que, al doblarse, circunscribe un espacio cúbico.

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Tomado de:

http://www.archdaily.co/co/02-69403/silla-wassily-marcel-breuer

http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=2826

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Movimientos artísticos que influenciaron el diseño (1920-1949)

SURREALÍSMO
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El Surrealismo es un movimiento artístico y literario fundado por el poeta y crítico francés André Breton, quien en 1924 publicó el Manifiesto Surrealista en París, y se convirtió en el líder del grupo.

Es una de las principales tendencias del siglo XX. Reivindica a artistas como el pintor Paolo Uccello, el poeta y artista británico William Blake y el francés Odilon Redon. Son admiradas y, en ocasiones, expuestas como surrealistas, ciertas obras de otros movimientos, como las de Giorgio de Chirico, de Marc Chagall, de Paul Klee, de los franceses Marcel Duchamp y Francis Picabia; y del español Pablo Picasso, aunque ninguno de ellos formó parte del Surrealismo.

Los miembros del grupo, a partir de 1924, son: el alemán Max Ernst, el francés Jean Arp, y el pintor y fotógrafo estadounidense Man Ray. El francés André Masson y el español Joan Miró fueron pintores miembros del grupo surrealista, pero no aceptaron someterse a los dictados de André Breton, y se desligaron del Surrealismo, en 1925. Salvador Dalí, pintor catalán, se asoció en 1930. Después de un tiempo, fue relegado por la mayoría de los artistas surrealistas, acusado de estar más interesado en la comercialización de su arte que en las ideas del movimiento. Aun así, durante cierto tiempo fue el artista más renombrado del grupo. Sus obras constituyen las muestras más representativas del Surrealismo.

Caracteristicas:
  • La pintura surrealista es muy variada en contenidos y técnicas. Un ejemplo digno es Dalí, quien transcribe sus sueños de una manera fotográfica.
  • Las esculturas son grandes, lisas y de forma abstracta.
  • Se realizaron representaciones de formas fantásticas que incluían adaptaciones de dibujos infantiles. Como las obras de Miró.
  • Surgió del Dadaísmo y, como el Dadaísmo, enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora, pero lo utilizaba de una manera mucha más ordenada y seria.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

Es el movimiento artístico pictórico, que surge a mediados del siglo XX. El Expresionismo Abstracto es un arte no figurativo, que generalmente no se ajusta a los límites de la representación convencional.

CARACTERÍSTICAS
  • Su principal característica es la afirmación espontánea del individuo a través de la acción de pintar.
  •  Este movimiento agrupa una gran variedad de estilos que se caracterizan más por los conceptos que por la homogeneidad.
  • La abstracción subjetiva de los artistas. Las primeras manifestaciones del Expresionismo Abstracto se encuentran en la obra del pintor ruso Wassily Kandinsky.

Durante la Segunda Guerra Mundial llegaron a Nueva York, pintores europeos de vanguardia, como Max Ernst, Marcel Duchamp, Marc Chagall e Yves Tanguy. Los mismos recibieron la influencia de la abstracción subjetiva del pintor alemán Arshile Gorky y de Hans Hofmann, pintor y profesor alemán nacionalizado estadounidense, que hacía hincapié en la interacción dinámica de planos de color.

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Posteriormente difundieron el espíritu del Expresionismo Abstracto entre los pintores estadounidenses de las décadas de 1940 y 1950. Nueva York fue el centro del Expresionismo Abstracto, en la llamada Escuela de Nueva York.

TENDENCIAS DEL EXPRESIONISMO ABSTRACTO

La tendencia de Action Painting o Pintura de Acción: Los representantes centraban su interés en la textura y consistencia de la pintura, y en la gestualidad del artista, en el momento de su aplicación sobre el lienzo. Un representante importante dentro de esta tendencia fue Jackson Pollock, quien considera que el único modo de abordar la pintura consiste en dejar chorrear los colores desde un recipiente o salpicarlos sobre el lienzo, para hacer líneas entrelazadas que parecen prolongarse en decoraciones sin fin. Otros integrantes son: Willem de Kooning y Franz Josef Kline, quienes utilizaban amplias pinceladas muy empastadas para crear abstracciones rítmicas en un espacio virtualmente infinito.

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La tendencia de los planos cromáticos: Los representantes acentuaban la unificación de color y forma. Su mayor exponente fue Mark Rothko, quien creó rectángulos saturados de colores vibrantes en sus obras.

MANIFESTACIONES DEL EXPRESIONISMO ABSTRACTO EN EUROPA
  • Tachismo: Deriva del francés tache: mancha. Predominan en el las manchas de color.
  • Arte informal: Niega la estructura formal.

Tanto el tachismo como el arte informal tienen grandes analogías a la Action Painting de Nueva York.


LA NUEVA OBJETIVIDAD

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Surge en Alemania hacia 1922. Este movimiento estaba en contra del arte subjetivo y emocional de los expresionistas de los años 20. Los artistas de este grupo optaron por la neutralidad de la expresión, en oposición al Fauvismo y al Impresionismo, y defendían un arte en el que la creación artística se identificaba con el oficio.

“Neue Sachlichkeit” (nueva objetividad) fue el nombre dado por el crítico G. F. Hartlaub para designar a un movimiento que recuperaba elementos del expresionismo alemán inicial pero con un marcado carácter crítico. La principal exposición de este movimiento tuvo lugar en Manheim en el año 1925.

CARACTERÍSTICAS
  •  Rechazo del planteamiento sensorial y subjetivo del cubismo, del futurismo y del expresionismo, buscando la vuelta a los lenguajes objetivos del realismo.
  • Figuración de carácter crítico-satírico tratada de manera agresiva y ácida mediante un dibujo caricaturesco de gran libertad expresiva.
  • Representación ambivalente de la realidad: ausencia de emoción en la representación, casi superficial, pero al mismo tiempo tratada con una perspectiva socialmente comprometida.
  • Gran nitidez visual con contornos bien marcados y trazos ágiles y vigorosos.
  • Temática de denuncia social, próxima a lo vulgar, que resalta los aspectos más sórdidos de la realidad: corrupción, víctimas de la guerra, desumanización de la vida, escenas de gran ciudad con figuras perdidas entre edificios o inmersas en ambientes industriales, transfondos de miseria, prostitución, etc.
  • Equiparación plástica de personas y objetos que son representados de manera rígida, mecánica, grotesca y desindividualizada.
  • Composiciones rígidamente estructuradas, generalmente de cualidad narrativa.
  • Colores fuertes, generalmente contrastados con negro (Beckmann).

    INFLUENCIAS

    Del realismo de la antigua pintura alemana y de la gran libertad gráfico-plástica del expresionismo inicial que es llevada hasta sus máximas consecuencias.


ARTE DECO

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Estilo propio de las artes decorativas desarrollado en el periodo de entreguerras, entre 1920 y 1939 en Europa y América. Alcanzó su máximo esplendor en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París de 1925. Se caracteriza por la profusión ornamental, el lujo de los materiales y el frecuente recurso a motivos geométricos y vegetales.

Como síntesis se puede decir que el Art Déco ante todo buscó la decoración por encima de la funcionalidad.

El término Art Déco, abarca un amplio abanico de ramas y especialidades del arte y la artesanía, las cuales se dieron cita en la Exposition Internationale de Arts Décoratifs et Industriels Modernes de 1925 y que, posteriormente se conmemoró con una retrospectiva celebrada en París el 16 marzo de 1966, bajo el título “Les Annes 25“, en el Musée des Arts Décoratifs.

Como artistas representantes del Déco, debemos citar: Maurice Dufrene, Jean Dunand (1877-1942), André Groult (1884-1967), Pierre Chareau (1883-1959), Paul Follot, el polonés Joseph Czajkowski (1872-1947), soviético de Konstantin Melnikov (1890-1974).


 CARACTERÍSTICAS generales del Art Déco que fueron utilizadas tanto en decoración, como en arquitectura :
  • E el Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la esfera y la línea recta, además de los imprescindibles zigzags.
  • Tratan de representar algunas abstracciones que muestran en la naturaleza, rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes..
  • Representación faunística haciendo referencia a ciertas cualidades como la velocidad y usan para ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas..
  • Representación de elementos fitomorfos se utilizan las flores, los cactus, las palmeras, representados por medio de delineaciones geométricas.
  • Utiliza imágenes de fuentes congelas de formas ascendentes.
  • Utilización de nuevos materiales como la baquelita, el cromo y el plástico, maderas nobles el ébano y el palisandro, pieles naturales de zapa, de tiburón y el carey.
  • Se utilizan motivos de las culturas prehispanas de las culturas azteca, maya o inca y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos arqueológicos de Egipto, mesopotamia, vikingo o de los pueblos africanos o indios.
  • En arquitectura, además de las formas geométricas, se recurre a remates terminados escalonadamente y con proas marítimas que sostienen mástiles que sirven como astas; arcos y puertas ochavadas y lujosos materiales como el mármol, el granito y el aluminio consuman el aparato decorativo.
  • Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros, habitantes de las urbes, luciendo el “look” de la época, junto a la de mujeres resueltas que participan en la producción económica, vistiendo una moda más atrevida, con el pelo corto a la “garzón” que fuman y participan en cócteles, denotando su liberación.
DEFINICIONES DE ART DECO

-Alastair Duncan, en la Enciclopedia of Art Deco, recoge la siguiente definición:
“No es fácil definir las principales características del Art Déco, porque el estilo atrajo una multitud de diversas y, con frecuencia, contradictorias influencias. Muchas de ellas vinieron de los estilos pictóricos de vanguardia de los tempranos años del siglo, como el Cubismo, el Constructivismo Ruso y el Futurismo Italiano -abstracción, distorsión y simplificación- todos evidentes en las artes vernáculas decorativas Art Deco. Pero estos no fueron todos: una examen del repertorio de motivos estandarizados del estilo tales como -racimos de flores estilizadas, jóvenes doncellas, geométricos y ubicuos frutos- revelan influencias del mundo de la alta moda, de Egipto, el Oriente, la África tribal y de los Ballets Rusos de Diaghilev. A partir de 1925 el creciente impacto de la máquina puede ser discernido en repetidas y superpuestas imágenes, o más tarde, en los treinta, por formas modernizadas derivadas de principios aerodinámicos. Todo esto resultó en una elevada amalgama de complejas influencias artísticas, descritas desafiantemente por una simple frase, el término Art Déco”.

-Fancy Susan Sternau en la obra Art Déco lo describe de la siguiente forma:
“Desarrollado en París y más tarde fomentado en Hollywood como el estilo de las estrellas, el Art Deco hizo la transición, en unos pocos años, de un primarío estilo francés a un universalmente entendido símbolo del glamour. Art Deco, es un conveniente término usado para describir arte decorativo en el período entre las dos guerras mundiales, y refiere a un estilo que es clásico, simétrico y rectilíneo. Como movimiento se desarrolló durante los años 1908 a 1912 y alcanzó un alto punto de 1925 a 1935. Este estilo fue el producto de influencias tan diversas como el Art Nouveau, Cubismo, el Bauhaus y el arte de Egipto, el Oriente, “Africa y las Américas”.
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Tomado de: http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/artdeco.htm

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Movimientos artísticos que influenciaron el diseño (1900-1920)

CONSTRUCTIVISMO RUSO

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El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. Responde a la premisas de la construcción del sistema socialista. Se puede decir que el constructivismo se origina como respuesta al caos que se vivía en esos años de conflicto.

Se caracteriza por ser muy abstracto, recurriendo a figuras geométricas para sus obras. Su fundador es el escultor y pintor ruso Vladimir Tatlin. La funcionalidad debía ser aplicada. En el constructivismo, por ser un movimiento en el que se destaca lo tridimensional  predomina mucho la escultura, la arquitectura y el diseño industrial. Utilizan materiales modernos con líneas puras.

Otros artistas de la corriente son El Lissizky, Rodchenko y Stepanova.

Características principales:
  • Su estilo se basa en líneas puras y formas geométricas.
  • En su elaboración emplean materiales simples.
  • Los representantes no ven sus obras como arte, ni pretenden que éstas reciban ese título.
  • Le dan relevancia a la técnica con la que se va elaborar el producto y el proceso que éste
  • lleva.
  • La funcionalidad debía de ser aplicada porque se creía importante que el arte debía de ser algo
  • para que la gente lo entendiera y con diferentes tipos de utilidades.

Tomado: http://teoriahd.blogspot.com.co/2012/03/constructivismo-ruso.html


ART NOEVEAU

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El nombre de Art Nouveau es el que se le aplica a un estilo artístico surgido a fines del siglo XIX y comienzos del XX. Su nombre proviene del francés y debería ser entendido como ‘arte nuevo’, aunque en algunos casos aparece como ‘arte moderno’. El Art Nouveau no tiene un origen específico que pueda ser limitado a un momento o fecha delimitado, sino que puede ser considerado un movimiento que toma influencias de muy variados estilos y que cuenta ya con características propias en la última década del siglo XIX.

El Art Nouveau es un estilo muy particular y claramente diferenciable. Mientras que muchos estilos artísticos de la historia humana se han limitado a un par de ramas, el Art Nouveau puede ser encontrada tanto en pintura, como en arquitectura, en escultura, en dibujo, en diseño gráfico, en diseño de interiores, diseño de textiles, y en joyería, entre otras cosas.

Tomado … via Definicion ABC http://www.definicionabc.com/historia/art-nouveau.php

Características principales del Art Nouveau:
  • “Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.
  • Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.
  • Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión…
  • Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial
  • Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del Prerrafaelismo del último Romanticismo inglés, y el Movimiento llamado Artes y Oficios. A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890.”

Tomado: Definicion ABC http://www.definicionabc.com/historia/art-nouveau.php


DE STIJL

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Con el nombre de “De Stijl” (El estilo) se conoce al grupo de artistas y revista fundados en 1917 por Mondrian y Van Doesburg en la ciudad de Leiden, con el objetivo de difundir los principios de la neoplasticismo.
Doesburg, sintetizó el espíritu y la esencia del grupo con esta frase:

“Desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el estilo.”

En 1921 se abrió al Dadaísmo y en 1922 y 1923 Arp y Schwitters se encargaron de la edición de un suplemento Dadá llamado “Mecano”. Mondrian dejó de participar en la revista en 1924 pero su publicación se prolongó hasta 1928, siendo una de las revistas de arte de vanguardia más importantes del periodo de entreguerras.

En 1925 Mondrian se separó del grupo por desavenencias teóricas con Doesburg. Este último quería que la línea inclinada formara parte del lenguaje neoplasticista, pero Mondrian la sentía como un elemento desestabilizador

Características:
  • Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal, eliminando todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental.
  • Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos.
  • Planteamiento totalmente racionalista.
  • Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos.
  • Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio, logrado por la compensación de las formas y los colores. Nunca se recurre a la simetría.
  • Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises).
  • Empleo de fondos claros.

Tomado: http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/destijl.htm


FUTURISMO

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El futurismo comenzó en Italia en 1909. Su preocupación estética primordial era la expresión del movimiento. Pero también promovió la preocupación por la ética y la política

-un odio a la tradición, una lucha en la modernidad y la ciencia, un ferviente patriotismo, la creencia en el poder de la guerra para purificar-

se trataba, en suma, de un anticipo del fascismo.

En las expresiones artísticas del mismo aparece constantemente la idea de progreso industrial: la ciudad en pleno crecimiento, construcciones, máquinas en movimiento. Lo que les interesa es la expansión, el crecimiento, los movimientos, no sólo de los objetos, sino también de las ciudades.

La pintura futurista asumió el lenguaje cristalino del Cubismo analítico y las dotes puntillistas del Neo-Impresionismo. Al igual que el Cubismo, introdujo en la pintura una serie de sensaciones separadas. en el futurismo el espectador permanece estático y el objeto adquiere movimiento. El “perro de Balla”, con diferentes rabos, es ejemplo de esta idea.

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El Russolo ejemplifica un concepto del futurismo menos literal, el de “la fuerza en las líneas” como diagramas de energía. Las pinturas futuristas se parecen a fotografías consecutivas cuyas diferentes imágenes se han superpuesto.


 DADAISMO

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Es un movimiento artístico que abarca todos los géneros. Es la expresión de una protesta contra la totalidad de los aspectos de la cultura occidental, en especial contra el militarismo existente durante la I Guerra Mundial e inmediatamente después. El término dadá, palabra francesa que significa caballito de juguete, fue adoptado por Tristan Tzara, editor, ensayista y poeta rumano, al abrir al azar un diccionario en una de las reuniones que el grupo celebraba en el cabaret Voltaire de Zurich.

Fue fundado como movimiento en 1916 por Tzara; Hugo Ball, escritor alemán; Jean Arp, artista alsaciano y otros intelectuales que vivían en Zurich, Suiza.

Mientras en Nueva York producía una revolución contra el arte convencional, liderada por Man Ray, Marcel Duchamp y Francis Picabia; en París inspiraba el Surrealismo.

CARACTERÍSTICAS

Los dadaístas utilizaban frecuentemente métodos artísticos y literarios intencionadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional, con el objetivo de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo tipo de codificación.

Sus creaciones y representaciones teatrales pretendían impactar al público con el objetivo de que éste reconsiderara los valores estéticos establecidos. Con ese fin utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras.

Utilizaron técnicas revolucionarias, pero sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad.

El Dadaísmo decayó en la década de 1920, y algunos de sus miembros se convirtieron en figuras destacadas de otros movimientos artísticos, como el Surrealismo. A mitad de la década de 1950 volvió a surgir en Nueva York cierto interés por el Dadá entre los compositores, escritores y artistas, que produjeron obras de características similares.


CUBISMO

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El cubismo surgió en Francia y tuvo su mayor apogeo entre 1907 y 1914. El termino proviene del vocablo francés cubisme propuesto por el cítrico Louis Vauxcelles, haciendo referencia a los cubos que aparecían en las pinturas de reconocidos artistas tales como Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Baraque. Es considerada una vanguardia pionera pues rompió con el último principio renacentista que estaba vigente en aquel entonces “la perspectiva”.

CARACTERÍSTICAS
  • la utilización de colores apagados como el verde y el gris, sobre todo en la primera época del movimiento. Con el tiempo, los cubistas comenzaron a incorporar colores más vivos.
ETAPAS
  • El Cubismo tuvo distintas etapas que lo caracterizaron:
    Cubismo Analítico:
    caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión
    .Cubismo Sintético:
    Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.
    Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, la inserción en el cuadro de elementos de la vida cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El primero en practicarlo fue Braque. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto, a partir de aquí ya no interesa el análisis minucioso, sino la imagen global.


ARTS AND CRAFTS

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“Arts and Crafts” (Artes y Oficios). Reacción contra el estilo victoriano.
El movimiento Arts and Crafts surgió en las últimas décadas del siglo XIX como reacción contra el primer estilo industrial, que se había desarrollado en Inglaterra a lo largo de esa centuria. El llamado estilo victoriano.

Se dice que cuando los visitantes de la Feria Universal de 1851 llegaban al Crystal Palace de Londres, además de asombrarse por los avances técnicos, se sorprendían por el mal gusto de todo lo que se fabricaba en masa. De manera que la idea de progreso industrial comenzó a mezclarse con la intuición de que era necesaria una reacción que devolviera a los objetos de la vida cotidiana una cierta dimensión estética, que acompañase a las funciones naturales para las que eran fabricados. Esa reacción se denominó Arts and Crafts, Artes y Oficios, ya que pretendió elevar la dignidad social y estética del diseño y de todas las artes aplicadas, integrándolas en un entorno arquitectónico armonioso y bello.

Primeras propuestas.
Aunque la mayor parte de los ciudadanos ingleses del XIX permanecían apáticos o satisfechos con el nivel estético alcanzado por su poderosa industria, las reacciones al recargado estilo dominante en la época se iniciaron a finales de la década de 1840. A este respecto hay que destacar la obra de Henry Cole, que editó el Journal of Design and Manufactures desde 1847.
Dos años después, en 1849, apareció la obra de John Ruskin, Las siete lámparas de la arquitectura, una de las obras fundamentales de la crítica de arte del siglo XIX, que ya en 1843 había comenzado a publicar una serie sobre Pintores contemporáneos, y que en 1851-53 publicaría Las piedras de Venecia.

Desde el punto de vista de la acción el Arts & Crafts experimentó un empuje importante en 1861 cuando William Morris fundó la empresa Morris, Marshall, Faulkner and Company, conocida generalmente como Morris and Company.

En 1890 Morris fundó la Kelmscott Press, una imprenta artesanal de la que salieron tiradas reducidas de algunos de los libros impresos más cuidadosamente producidos de toda la historia, y que fue capaz de ejercer una poderosa influencia sobre las grandes editoriales comerciales durante varias décadas.

Principios del Arts & Crafts
Entre las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos, éticos y políticos, tanto como estéticos. Destacamos los más importantes:

  • Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral.
  • Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas.
  • Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas.
  • Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Una idea que sería recogida por el racionalismo de principios del siglo XX.
  • Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.
  • Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.

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ESTETICISMO

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Esteticismo. Fue un movimiento artístico inglés,basado en la doctrina de que el arte existe para beneficio de su exclusiva belleza y que ésta debe ser elevada por encima de la moral y de los temas sociales.

Surge como un antecedente del modernismo, la primera manifestación se presentó a mediados del s. XX en Inglaterra, siendo William Morris quién propuso un arte para todos y en todos los lugares, evitando así la invasión de lo corriente e industrializado. En la temática figurativa fueron incluidos aspectos naturalistas del gótico, elementos florales y vegetales curvilíneos, siendo la belleza el objetivo principal de toda actividad artística. En los años ochenta se sintetizaron las corrientes en el esteticismo, integrando en las composiciones, como rasgo predominante el tema vegetal.

Se originó como oposición a las filosofías utilitaristas imperantes y para la fealdad y materialismo aparentes de la época industrial. Sus fundamentos filosóficos fueron asentados por Kant, quien propuso que las normas estéticas podían ser separadas de la moralidad, la utilidad o el placer.

Características
  • Está basado en la pasión por la belleza y el amor del arte por el arte.
  • Era ante todo un ideal moral, una filosofía espiritual.
  • Exaltación de lo sensible y lo bello, lo que se contraponía a la vulgaridad de las masas y la moral convencional de la época,a que el pensamiento Europeo parecía ganado por una creciente incertidumbre moral, por una cada vez más evidente inseguridad, ya que hubo una transformación profunda en la percepción del mudo físico y del Universo.
  • El mundo, las cosas, la verdad se iban configurando como proposiciones abiertas, las respuestas a las preguntas no eran absolutas.

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La Revolución Industrial

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ORÍGENES DE LA REVOLUCIÓN INDUSTRIAL

Después de siglos de estancamiento en Europa, el crecimiento económico volvió a encontrar perspectivas muy favorables. La Revolución Industrial iniciada en Inglaterra a mediados del siglo XVIII, al cambiar las condiciones de producción, indujo un enriquecimiento espectacular que se fue generalizando con el correr de los años. Un buen índice de este crecimiento fue su producción de hierro.

Es el mayor cambio que ha conocido la producción de bienes desde 1800 en Inglaterra. La aparición de las máquinas, instrumentos hábiles que utilizan energía natural en vez de humana, constituye la línea divisoria entre dos formas de producción. La producción maquinista creó las condiciones para la producción y el consumo en masa, característicos de época actual, hizo surgir las fábricas y dio origen al proletariado.

LA TECNOLOGÍA

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A comienzos del siglo XVIII las telas que se fabricaban en Europa tenían como materia prima la seda (un artículo de lujo, debido a su precio), la lana o el lino. Ninguna de ellas podía competir con los tejidos de algodón procedentes de la India y conocidos por ello como indianas o muselinas. Para entonces, la producción de tejidos de algodón en Inglaterra era insignificante y su importación desde la India constituía una importante partida de su balanza mercantil. Para competir con la producción oriental se necesitaba un hilo fino y fuerte que los hiladores británicos no producían.

Pocos años después surgía la primera máquina, con la aparición de la estructura de agua de Arkwright (1870), que recibe su nombre porque necesitaba la energía de una rueda hidráulica para ponerse en movimiento.

Para entonces, Samuel Crompton había construido una máquina nueva, inspirada en las anteriores, conocida como la mula, y que producía un hilo a la vez fino y resistente. El número de husos, que no pasaba de 150 en la primera versión, alcanzó los dos mil al cabo de unos años y todo ello se conseguía con el solo trabajo de un oficial y dos ayudantes. La exportación de tejidos británica se multiplicó por cien en los cincuenta años que siguieron a 1780.

LOS CAMBIOS EN LA AGRICULTURA

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El parlamento inglés, durante el transcurso del siglo XVIII, permitió cercar las fincas en el campo abierto. El gasto que demandaba esta operación favoreció a los hacendados más ricos y permitió la aplicación de nuevas técnicas para incrementar la productividad agrícola. Se empezó la rotación de cultivos suprimiendo el sistema anterior de barbecho, se mejoraron las especies ganaderas gracias al cruce de ejemplares seleccionados, se generalizó el cultivo de nuevas especies, se mecanizaron las labores del campo, se aumentaron las superficies cultivables desecando pantanos, y se logró un rendimiento mayor con la utilización de abonos.

El ejemplo de Inglaterra fue seguido por los países europeos cuya producción agrícola se duplicó entre 1840 y 1914. Durante la misma época, en los extensos territorios de los Estados Unidos, Canadá, Australia y Argentina se generalizó el cultivo de cereales o la crianza de ganado, convirtiéndose estos países en los abastecedores de Europa y del mundo entero. En los países tropicales se intensificaron las plantaciones de caña de azúcar, café y otros productos alimenticios, de algodón y de otras materias primas que abastecieron las industrias europeas

EL CRECIMIENTO DEMOGRÁFICO Y SUS INTERRELACIÓN CON EL DESARROLLO URBANO

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La mejor alimentación, resultante de la diversificación y de los mejores rendimientos de la agricultura, permitió disminuir la mortalidad infantil y alargar la vida de los europeos. A ello también contribuyeron los progresos de la medicina, especialmente el descubrimiento y la aplicación de la Vacuna para atajar las epidemias periódicas que diezmaban la población.

Los europeos casi se triplicaron en el transcurso del s. XIX, siendo su crecimiento más notorio en los países industrializados. Este aumento demográfico estuvo estrechamente unido al despegue industrial, pues al elevarse la población se contó con abundante mano de obra y un amplio mercado de compra que garantizaron las ganancias indispensables para nuevas inversiones. El mejoramiento tecnológico de la actividad agrícola liberó mano de obra. Las antiguas ciudades fueron adquiriendo una nueva fisonomía, pues la aparición de las fábricas y la aglomeración demográfica impusieron cambios urbanísticos por las urgentes exigencias de distribución de agua, servicios de alcantarillado, transportes, parques y lugares de esparcimiento.

LOS MOVIMIENTOS OBREROS

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Estos fueron una de las muchas consecuencias que trajo la post-industrialización, a raíz de como se trataban a los empleados estos generaron movimientos por los cuales pretendían garantizar su estabilidad .tanto económica como integral.

El diseño en AMÉRICA LATINA

En Argentina

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El diseño empieza en los años 50, y es una fusión tanto de los arquitectos, como artistas y diseñadores de la época.

Ricardo Blanco:

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Nace en 1940 en Buenos Aires, es Arquitecto y diseñador. A lo largo de su vida como diseñador fue docente de la UBA, director de maestría y creador de un libro con más de cien sillas creadas por él.

  • En 1968  comenzó su labor profesional en la firma Stilka. Allí­ pudo desarrollar productos con tecnologí­as no convencionales como el laminado en madera.
  • En 1972 tras su alejamiento de esta empresa, fundó EH, Equipamiento de Hoy, junto a otros dos arquitectos.
  • También comenzó a realizar trabajos en forma independiente para Lañin, una empresa de sillas tradicionales en madera.
  • Después Indumar, le permitió realizar más de cien diseños de sillas y sillones, algunos con carácter experminetal, como la silla plegable Plaka y el sillón Skel.
  • En 1982 fue distinguido por el CAyC (Centro de Arte y COmunicación) con el Premio Lápiz de Plata al Diseñador de Muebles.
  • Trabajó para empresas de electrodomésticos, produciendo lí­nea blanca, teléfonos y un brazo robótico para producción. También realizó el diseño de un tren y un premetro para Materfer en Córdoba, Argentina y cruceros particulares para el astillero Rí­o Dulce.

Hugo Kogan:

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Nace el 12 de Junio de 1934, es diseñador y consultor de empresas, fue el creador de el ˝Magiclick˝ diseño que fue  comprado por una empresa japonesa, que servia para prender fuego a estufas.

Reinando Leiro:

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Nacio en 1930, es arquitecto egresado de la UBA, es profesor de la misma universidad y fue socio de Ricardo Blanco, con el cual actualmente no tiene relación alguna.

  • En 1954 se recibió de Arquitecto en la Universidad de Buenos Aires. Actualmente se desempeña como Profesor Consulto y Director de la Carrera de Postgrado en Gestión Estratégica en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU-UBA).
  • En 1962 fundó junto a Cecilia Castro la empresa Stilka, firma destinada al desarrollo de equipamiento para el hogar y dos años más tarde fundó la firmaBuró, dedicada al equipamiento de oficinas.
  • En esos años las pocas empresas de diseño contemporáneo que existían en Argentina trabajaban con licencias extranjeras. Con sus empresas, Leiro abrió el camino a la producción nacional y ayudó a posicionar el diseño argentino en el mercado.
  • En 1984 Leiro fundó, junto con Ricardo Blanco y Hugo Kogan, la empresa Visiva. Los diseños que produjo para esta firma estaban emparentados con la corriente del nuevo diseño milanés y el Grupo Memphis.
  • Actualmente sigue al frente de Buró, que ya cuenta con más de cuarenta años de historia fabricando muebles de diseño nacional y de marcas europeas como la alemana Wilkhahn y las italianas Trau y Estel.
  • En 1998 Leiro creó, en conjunto con el Instituto Politécnico de Milán, la carrera de postgrado: “Gestión Estratégica de Diseño”, en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires, de la cual es Director.”

Tomado de:http://www.decollagedesign.com/reinaldo-leiro-abcdesign/


EN CHILE

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En chile la economía se basa en la producción de cobre, vinos y la agricultura. El diseño llega por medio de los artesanos.

Fernando Meyer:

  • Fue un joven alemán perseguido durante el régimen nazi el cual tuvo que dejar el colegio para integrarse a un taller de carpintería, y junto a su familia llega a Chile en 1939. En el barco conoce a Hans Freud y en el mismo año de su llegada forman una sociedad  “Freud y Mayer” encargada de hacer arreglos e instalaciones de tiendas.Un tiempo después la empresa se vuelve reconocida y comienza la creación y diseño de sus propios muebles.
  • Se iniciaba el tiempo de la producción propia que comenzó con la creación de algunos muebles de casa a pedido, todo con un marcado estilo escandinavo, que hoy son más que clásicos pero muy difíciles de encontrar.
  • Con los 60 a la vuelta de la esquina ya aparecía en el horizonte otra área de expansión: los muebles de oficina, que partieron con una edición propia de un escritorio con el diseño de Risom.
  • Se fabricaron en madera sólida, con la cubierta en placa carpintera enchapada, y en general se usaron maderas como castaño, eucalipto y algo de lingue. Otro de los clásicos de Mayer. Años más tarde serían pioneros en el uso de planchas de aglomerado, de hecho fueron los primeros compradores de Masisa, y su primera aplicación fue en la cubierta de la producción posterior del mismo escritorio.
  • A fines de los cincuenta, Freund anunció su retiro de la sociedad y la empresa pasó a llamarse Industria Maderera Fernando Mayer S.A., al tiempo que una nueva fábrica de tamaño considerable se puso en funcionamiento en General Velásquez.

Rodrigo Wolker:

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  • Estudió y se tituló de Diseñador Industrial, con distinción unánime, en la Universidad de Chile.
  • Ha realizado estudios sobre comunicación y capacidad de acción en REDCOM-CHILE 1987-1999, filial en Chile, Action Tecnología (California/USA)
  • Estudios en el Club de Emprendedores sobre Capacidad Emprendedora y de Gestión.
  • 1998-2001 Formó parte de la primera generación de Diseñadores Industriales, a quienes les correspondió implementar esta actividad, a nivel académico y profesional, tanto en Chile como en países de Latino América.
  • Sus primeros años profesionales los dedicó al trabajo de investigación y al desarrollo de los primeros proyectos de Diseño Industrial y Gráfico implementados para la Industria Nacional, desempeñándose como diseñador-investigador en SERCOTEC (Servicio de Cooperación Técnica-CORFO), en el proyecto OIT/CORFO para el desarrollo de la pequeña y mediana empresa y en INTEC/CORFO como miembro del grupo de diseño dirigido por Gui Bonsiepe.
  • Ha desarrollado actividades académicas tanto en Universidades Chilenas como extranjeras; siendo profesor de Diseño en la Universidad de Chile, Universidad de Cuyo, Argentina; y en la Universidad Diego Portales.
  • Socio fundador de ALADI (Asociación Latinoamericana de Diseñadores Industriales); iniciador del Colegio de Diseñadores de Chile Socio.
  • Fundador del QVID (Asociación Gremial de Empresas de Diseño), socio gestor del Centro Nacional de Diseño CND”
Tomado de: https://srvdiego.files.wordpress.com/2012/04/rodrigo-walker-informe-nuevo1.pdf

EN BRASIL

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Los muebles son el inicio de diseño en Brasil, el trabajo de las maderas se resalta en este país.

Lina Bo Bardi:

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Es una mujer Italo-Brasileña: pionera de los muebles, vivió en Sao Paulo (Brasil) hasta su fallecimiento.

  • En 1948, con el arquitecto Gian Carlo Pallatini, abrió en la capital Paulista el Estudio de Arte Palma, presentando proyectos modernos con diseños atrevidos.
  • Desarrolló el arte de construir muebles que podían ser doblados y apilados, usando madera comprimida. Las sillas y las mesas tenían piernas divergentes en la base y las esquinas. En Salvador creó el Museo de Arte Popular de Bahía y en 1968 proyectó el Museo de Arte de San Paulo (MASP).
  • En esa institución desarrolló una intensa actividad cultural que incluyó exposiciones didácticas y cursos de Historia del Arte

EN MEXICO

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Clara Porset Dumas:

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  • Es originalmente nacida en Cuba, pero es reconocida en Mexico como una de las pioneras en el diseño. A lo largo de su vida trabajo en la revolución de Fidel para la creación de mobiliaria para escuelas del distrito y niños.

 

Horacio Duran:

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Es un artista y carpintero, creador de la Escuela Iberoamericana de Mexico. Desarrollo varios proyectos con el estado.

  • Horacio Durán Navarro , para 1947, hacía dibujos de muebles y tenía un estilo “mexicano”. Maderas de alta calidad con tejidos artesanales, fue un pionero en el ramo.
  • En sus diseños hacía uso de diversos materiales, entre ellos plásticos y metales. Diseñó envases preparando una línea de perfumes así como diseñar y montar exposiciones, incursionó en el diseño de interiores y la arquitectura.
  • Siendo él un maestro del diseño, comenzó a dar algunos cursos, más tarde dio el aporte más grande en México con la creación de la licenciatura de diseño industrial en 1969.
  • Escribió artículos, ensayos, manifiestos y un libro teórico sobre el diseño.
  • Duran Navarro diseñó gran cantidad de muebles, principalmente sillas y sillones. Hizo el primer sillón fabricado con casco de plástico reforzado con fibra de vidrio, pensado para producirse industrialmente y ofrecerse al comprador un diversidad de opciones que se ajustarán al gusto de cada uno de ellos

EN CUBA

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A lo largo de la historia de Cuba, el diseño en dicho país fue con inclinación puramente social.